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laboratorio de espectadores

Reflexiones y Balidos es un foro de opinión, intercambio y acción. Un colectivo democrático, dinámico, abierto a nuevas propuestas y sugerencias. Nuestro objetivo principal es dar voz al espectador, fomentando su espirítu crítico, ante las diferentes manifestaciones artísticas y culturales que tienen lugar en Valencia y fuera de ella.








domingo, 28 de febrero de 2010

TEATRES, MENTIDES I DEUTES

LEVANTE. Sábado 20 de febrero de 2010.

Lluís Torró i Robert Lisart

(Lluís es diputat d'EUPV i Robert sindicalista als Teatres de la Generalitat)

La crisi provocada en el sector de les Arts Escèniques s´ha instal·lat mentre la consellera de Cultura mira cap a una altra banda. La seua administració ja té massa feina atenent els fasts esportius, les estrenes d´òpera i cobrint l´atrafegada agenda del president Camps, ocupada en Fórmula 1, Copa d´Amèrica i curses de motos. I és que el sector té els enemics ben instal·lats a la pròpia conselleria, disposats a destruir-lo aprofitant la conjuntura econòmica. El mandat d´Immaculada Gil Lázaro al front de Teatres de la Generalitat és una condemna. Cinc llargs anys de desídia institucional, pretensions banals i deixadesa. Per començar la seua gestió ha conduït al bloqueig de la gestió administrativa, reservant al Teatre Principal el paper de 13 Rue del Percebe, i ha desviat els pressupostos aprovats a les Corts fins a límits que situen a Teatres a prop de la fallida tècnica.
L´administració de l´organisme ha esdevingut un caos en el que destaca l´abandó de la directora de les seues pròpies tasques amb viatges innecessaris —acompanyant el Ballet de Teatres a la seua gira per Xina, p. e.— i el balafiament dels recursos públics, atenent disciplinadament als fasts preelectorals del PP, arribant a estrenar en plena campanya Bienvenido, Mr Marshall, sense consignació pressupostària i recorrent a una pòlissa de crèdit. I, el més greu, incompleix tots els seus compromisos de pagaments: en ajudes concedides al teatre privat, amb companyies programades en les sales pròpies, amb sales concertades, proveïdors de l´organisme, ajuntaments del Circuit Teatral Valencià. La seua gestió balafiadora ha estrangulat desenes d´empreses i ara els bancs no concedeixen crèdits a les productores per pal·liar la manca de liquiditat.
Les darreres maniobres ordides a Teatres de la Generalitat, en embogida fugida cap endavant, es concreten en desballestar el Circuit Teatral Valencià i en carregar-se el sistema de concertació de sales. Aprofitant la crisi, desfà l´únic canal estable de distribució, reduint-lo a la categoria de cendres esparses al vent en una morralla de microsubvencions regides per la submissió. Han decidit acabar amb la concertació de les sales d´exhibició. Les sales de gestió privada afectades, que arrisquen una programació estable són, precisament, les que programen espectacles en valencià, donen cobertura a noves dramatúrgies i presenten una programació artística de gran nivell. Des de l´administració s´usa el reclam d´intentar enfrontar a les noves sales que han obert recentment, que demanen ajuda amb tota lògica, amb les què acrediten una trajectòria contrastada. Aquest és un subterfugi pensat per a dividir els empresaris entre ells i que cerca fomentar el desordre per tractar d´eixir indemnes. I mentrestant, Inmaculada Gil Lázaro lliura el nostre primer coliseu novament a empreses foranies de musicals fent la competència deslleial, una vegada més, al teatre privat. No es pot actuar amb major desgana i males intencions. El sector del teatre i la dansa professional del País Valencià ha entrat en un procés d´implosió per desafectes al règim campsista.

(posteado por Jesús Ge)

viernes, 26 de febrero de 2010

Festival Internacional de Poesia


POESIA

Divendres, 5 de març
20.00h Festival Internacional de Poesia

Aquests últims anys la creació poètica ha recuperat gran part del seu vigor i projecció pública, i bona prova d’això ha estat l'eclosió de tot tipus de lectures, encontres i festivals arreu de l'estat espanyol: per això és un gran plaer anunciar-vos aquest I Festival Internacional de Poesia de València, que tindrà lloc a l'Octubre Centre de Cultura Contemporània, el 5 de març, coincidint amb l'aniversari de la mort del gran poeta valencià Ausiàs March.
Dirigit per Àlex Susanna, el festival està concebut com un gran concert polifònic en què figures de la poesia europea contemporània recitaran en les llengües més diverses: Rosa Alice Branco (portuguès), Marc Granell (català), Saskia de Jong (neerlandès), Felipe Juaristi (basc), Nikola Madzirov (macedoni), Carlos Marzal (castellà), Jean Portante (francès), Ponç Pons (català) i Lasse Söderberg (suec).
Octubre Centre de Cultura ContemporàniaC/ Sant Ferran, 1246001 València
96 315 77 99
www.octubre.cat

Recuperem el Princesa!!!!


Demà, justament un any després que el teatre quedara destruït en un incendi, s’ha organitzat una concentració veïnal i una cercavila al carrer Moro Zeit.

Els veïns i les veïnes de Ciutat Vella, l’associació de veïns El Palleter, Endavant (OSAN), Ca Revolta i l’agrupació d’arquitectes Sostre han encetat la campanya “Recuperem el Princesa, reviscolem el barri”. L’objectiu d’aquesta campanya és recuperar aquest espai per donar-li un ús públic.

El 27 de febrer, justament quan fa un any que l’edifici va quedar destruït per un incendi, s’ha convocat una concentració veïnal i una cercavila a les 11.00 hores en el carrer on estava ubicat el mític teatre (C/ Moro Zeit.)
El Princesa va ser un dels primers teatres de València, construït l’any 1853, fou reformat el 1956 i tancat i abandonat prop dels anys 90. L’edifici va experimentar un procés de degradació progressiu fins que pel febrer de 2009 un incendi el va destruir. Actualment, els plans urbanístics preveuen la construcció d’un aparcament subterrani, un jardí en la superfície i la construcció d’un equipament sociocultural en el solar del Princesa.

En quina mesura deu la participació ciutadana tindre paper en les tasques de planejament i gestió del territori?

jueves, 25 de febrero de 2010

GANGS OF NEW YORK


Ayer tarde se rumoreaba que la directora general de Teatres de la Generalitat había dimitido. Es esto verdad, un bulo? un espejismo? un amago? alguien sabe algo al respecto?
Más de uno se atrevió a pensar que si lo hacía era para que a continuación fuera nombrada Consellera de Cultura (ya se quedó con las ganas ante el nombramiento anterior de este cargo).
Se comenta que ante la pitada promovida por la asociación de actores ante el Principal, la directora general mandó que se hicieran fotos a los que protestaban ante el teatro para reconocerlos y a continuación prometer que jamás volverían a trabajar para Teatres de la Generalitat.
También es sabido que ante las protestas y reflejo en los medios de manifestaciones haciendo uso de la libertad de experesión por algunos actores, se han recibido toques desde Canal 9 para callar bocas.

Si todo esto es verdad, no me extrañaría que la próxima producción de Teatres sea "Gangs of New York II" y la próxima TV Movie del canal público autonómico sea una nueva versión de El Padrino, eso si Don Corleone comprará naranjas en lugar de manzanas.

Aprovecho la entrada y cuelgo unas declaraciones suyas en "entrevistas bon dia cv"

“TEATRES DE LA GENERALITAT SE HA CONVERTIDO EN DOS GRANDES CENTROS DE PRODUCCIÓN”
La directora de Teatres de la Generalitat, Inmaculada Gil Lázaro, también ha asistido hoy al Notícies 9 La Tertúlia, donde ha explicado que “antes Teatres solamente tenía como objetivo la exhibición de espectáculos y ahora se ha convertido en dos grandes centros de producción, uno para teatro y otro para danza. El de danza fue el primer centro coreográfico de nuestro país, y ha tomado fuerza para desarrollar la danza y desde el 2007 estamos poniendo en marcha la producción teatral”.

“Pienso que sí vivimos una época dorada del teatro valenciano. Nosotros que somos como muy críticos, ahora estamos viviendo una época si no dorada, sí muy buena”, ha subrayado Gil Lázaro.

http://images.google.es/imgres?imgurl=http://www.rtvv.es/rtvv/entrevistesbd/imagen/Inmaculadagillazaro.jpg&imgrefurl=http://www.rtvv.es/rtvv/entrevistesbd/ent219c.asp&usg=__UYhoME2Hvp1UIzPM1lE-UIOIziE=&h=240&w=320&sz=36&hl=es&start=1&um=1&itbs=1&tbnid=pQIIxlvnZx2QPM:&tbnh=89&tbnw=118&prev=/images%3Fq%3Dinmaculada%2Bgil%2Blazaro%26um%3D1%26hl%3Des%26client%3Dfirefox-a%26sa%3DN%26rls%3Dorg.mozilla:es-ES:official%26tbs%3Disch:1

F.B.

a tope!



martes, 23 de febrero de 2010

¿QUE TE HA PARECIDO EL VEO?


¿QUÉ COSAS HAS VISTO?
¿QUÉ TE INTERESADO MAS Y PORQUÉ?
¿QUÉ TE HA INTERESADO MENOS Y PORQUÉ?
¿SI ERES ESPECTADOR ASIDUO DESDE HACE AÑOS, CÓMO HAS VISTO ESTE FESTIVAL EN COMPARACIÓN CON OTROS AÑOS?
¿CREES QUE TENÍA SENTIDO EL TEMA CON LAS PROPUESTAS?
...................

domingo, 21 de febrero de 2010

Tim Etchells baja el telón del VEO


Dieciséis niños de edades entre los ocho y los catorce años se alinean delante del gimnasio de la escuela. Silenciosos. Tranquilos. Disciplinados. Hasta que se abren sus bocas para desvelar cómo los adultos transforman a los niños con sus palabras. Para mejorar, para empeorar. Ternura, ansiedad, intrusión, dominación, abuso, educación.

¿Por qué tratamos a los niños de la manera en que lo hacemos? ¿Por qué les protegemos tanto? ¿Por qué les enseñamos del modo que lo hacemos? That Night Follows Day refleja el mundo infantil desde el punto de vista de la influencia de los adultos. Con gran claridad y humor, Tim Etchells, director y creador de la obra, trata de reflejar, mediante un espectáculo ingenioso e inquietante, la situación real, las expectativas y los problemas del mundo infantil y adolescente, así como la proyección que hacen los adultos sobre los niños.

Como en la mayoría de propuestas teatrales y performáticas de Tim Etchells, 'That night follows day' pone la atención sobre la verdadera situación, expectativas y problemática de su propia presentación, en este caso el acontecimiento de adultos que observan a niños y jóvenes, y de jóvenes que hablan ante la audiencia de los adultos. Se trata del segundo trabajo en una serie de producciones de la compañía Victoria con niños (pero para una audiencia adulta) que comenzó con üBUNG por Josse de Pauw (2001).

La propuesta que hoy pone el punto final al VEO es resultado de la unión del artista británico Tim Etchells y la compañía belga Victoria, una plataforma de producción polivalente dedicada a las artes escénicas con sede en Gante; un lugar donde los artistas pueden crear y experimentar, un semillero de nuevas tendencias internacionales y una residencia para los artistas.

A principios de 2008, Victoria se unió a Nieuwpoorttheater. La experiencia artística de ambas organizaciones se consolida en un nuevo centro de arte llamado CAMPO. CAMPO se define como un amplio paraguas artístico que abarca la producción, la creación, la muestra de espectáculos y la formación.

¡Yo no me lo pierdo! Espero que el colofón del festival mejore el sabor agridulce que han dejado en mi paladar unas cuantas propuestas escénicas que he podido ver hasta el momento.

Virginia

martes, 16 de febrero de 2010

Encuentro-coloquio de espectadores en torno al VEO

El jueves 18 de febrero organizamos en Magatzems un encuentro-coloquio de espectadores en torno al VEO. En él, abordaremos el análisis de las propuestas que se han llevado a cabo hasta ese día en el seno del festival València Escena Oberta (VEO), que se desarrollará en varios espacios de la ciudad hasta el próximo 21 de febrero.

Se trata de una reunión abierta, a la que invitamos a participar a todo aquel que lo desee, ya que nuestro propósito es facilitar el encuentro, el intercambio y la comunicación entre espectadores, sean miembros o no del grupo.

A esta primera reunión en torno al VEO le seguirá otra, en la que trataremos el resto de propuestas y haremos balance del festival, y tendrá lugar el fin de semana del 26,27 y 28. El día y lugar está por concretar, os iremos informando a través el blog, email y facebook.

Os esperamos a todos el jueves, a las 18 horas, en Magatzems wall & video (Turia, 53). No os lo perdáis!!!!

lunes, 15 de febrero de 2010

Guerra i Teatre


19.02.2010
Guerra i teatre
19.30h
Quan el teatre podia ser una arma política (1936-1939)
Conferència a càrrec de Francesc Foguet. Foguet (Linyola, Pla d'Urgell, 1971) és professor de literatura catalana de la Facultat de Filosofia i Lletres de la Universitat Autònoma de Barcelona, doctor en Filologia Catalana per aquesta universitat i diplomat en Teoria i Crítica del Teatre per l'Institut del Teatre i en El Segle XX a Debat per la Universitat de Barcelona. És coordinador també del Grup de Recerca en Arts Escèniques de la UAB. Pertany al Centre d'Estudis sobre les Èpoques Franquista i Democràtica (CEFID-UAB).
Foguet és especialista en teatre català modern i contemporani, ha publicat diversos llibres sobre el període de la guerra i la revolució de 1936-1939. Ha format part del consell de redacció d'El Pou de Lletres i El Contemporani, i ha escrit diversos articles sobre història del teatre català a Serra d’Or, Revista de Catalunya, Els Marges, L'Avenç, Assaig de Teatre, Catalan Review i Pausa, entre d'altres. Actualment, exerceix de crític teatral al Quadern del diari El País.
La conferència anirà seguida de la representació de la peça teatral Un vol de coloms, a les 20.30h. Un vol de coloms Peça breu d'agitprop de Manuel Molins.
Intèrprets: Resu Belmonte, Pilar Martínez, Vicent Genovés, Pasqual Rodrigo i Vicent Grande. Direcció: Manuel Molins Sinopsi: Barcelona, abril de 1937.
Un mes abans de l'esclat de la "revolució" que George Orwell va narrar en Homenatge a Catalunya. Natàlia, la Colometa, es passeja per la Plaça de Sant Jaume intentant vendre els darrers coloms que li queden per a sobreviure. Es troba amb la seua amiga Teresa Goday, vídua de Rovira i de Valldaura, que amb el seu amant, va al teatre Romea. Quan es queda sola, se li acosta un quintacolumnista contrari a la República. Colometa es defensa com pot i és ajudada per un foraster, Orwell, que ha vingut a Barcelona amb l'esperança d'assistir al triomf d'una autèntica revolució obrera.
Aquesta activitat forma part del seguit d'activitats paral·leles a l'exposició La Derrota, que es desenvolupen al llarg del mes de febrer.
C/ Sant Ferran, 12 - 46001 València. Tel. (0034) 96 315 77 99


domingo, 14 de febrero de 2010

¿QUIÉN PROVOCA LA CRISIS DEL TEATRO?

Ana Noguera, diputada del PSPV-PSOE en Las Cortes Valencianas, nos plantea su teoría sobre la actual crisis teatral en Valencia.

"¿QUIÉN PROVOCA LA CRISIS DEL TEATRO?". Ana Noguera. El País. Domingo 14 de febrero de 2010.


Otra opinión para valorar.


Jesús Ge.

Metropolis renace 80 años después

http://www.elpais.com/articulo/cultura/version/total/Metropolis/renace/anos/despues/elpepicul/20100213elpepicul_3/Tes
"Experimento con los ojos y no con los oídos, lo cual es para mí un lamento permanente..."
Fritz Lang
Carmen M

Al público se le puede enseñar: conste que digo público, no pueblo...

Anoche vi magia, imaginación, imaginario, belleza, decadencia, música, danza, amor, dolor, denuncia, humor, vodevil, comedia bufa, absurdo, caos, desesperación, drama, comedia, dentro de una carpa y con luz a ritmo de manivela y el olor que activa la memoria...
Siguiendo con la reflexión espectador-espectáculo, habla Lorca:
(...) Yo no hablo esta noche como autor ni como poeta, ni como estudiante sencillo del rico panorama de la vida del hombre, sino como ardiente apasionado del teatro. El teatro es uno de los más expresivos y útiles instrumentos para la edificación de un país y el barómetro que marca su grandeza o su descenso. Un teatro sensible y bien orientado en todas sus ramas, desde la tragedia al vodevil, puede cambiar en pocos años la sensibilidad del pueblo; y un teatro destrozado. Donde las pezuñas sustituyen a las alas, puede achabacanar y adormecer a una nación entera.
El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas y explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre.
Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo; como el teatro que no recoge el latido social, el latido, histórico, el drama de sus gentes y el color genuino de su paisaje y de su espíritu, con risa o con lágrimas, no tiene derecho a llamarse teatro, sino sala de juego o sitio para hacer esa horrible cosa que se llama "matar el tiempo". No me refiero a nadie ni quiero herir a nadie; no hablo de la realidad viva, sino del problema planteado sin solución.
Yo oigo todos los días, queridos amigos, hablar de la crisis del teatro, y siempre pienso que el mal no está delante de nuestros ojos, sino en lo más oscuro de su esencia; no es un mal de flor actual, o sea de obra, sino de profunda raíz, que es, en suma, un mal de organización. Mientras que actores y autores estén en manos de empresas absolutamente comerciales, libres y sin control literario ni estatal de ninguna especie, empresas ayunas de todo criterio y sin garantía de ninguna clase, actores, autores y el teatro entero se hundirá cada día más, sin salvación posible.
El delicioso teatro ligero de revistas, vodevil y comedia bufa, géneros de los que soy aficionado espectador, podría defenderse y aun salvarse; pero el teatro en verso, el género histórico y la llamada zarzuela hispánica sufrirán cada día más reveses, porque son géneros que exigen mucho y donde caben las innovaciones verdaderas, y no hay autoridad ni espíritu de sacrificio para imponerlas a un público al que hay que domar con altura y contradecirlo y atacarlo en muchas ocasiones. El teatro se debe imponer al público y no el público al teatro. Para eso, autores y actores deben revestirse, a costa de sangre, de gran autoridad, porque el público de teatro es como los niños en las escuelas: adora al maestro grave y austero que exige y hace justicia, y llena de crueles agujas las sillas donde se sientan los maestros tímidos y adulones, que ni enseñan ni dejan enseñar
Al público se le puede enseñar, conste que digo público, no pueblo; se le puede enseñar, porque yo he visto patear a Debussy y a Ravel hace años, y he asistido después a las clamorosas ovaciones que un público popular hacía a las obras antes rechazadas. Estos autores fueron impuestos por un alto criterio de autoridad superior al del público corriente, como Wedekind en Alemania y Pirandello en Italia, y tantos otros.
Hay necesidad de hacer esto para bien del teatro y para gloria y jerarquía de los intérpretes. Hay que mantener actitudes dignas, en la seguridad de que serán recompensadas con creces. Lo contrario es temblar de miedo detrás de las bambalinas y matar las fantasías, la imaginación y la gracia del teatro, que es siempre, siempre, un arte, y será siempre un arte excelso, aunque haya habido una época en que se llamaba arte a todo lo que nos gustaba, para rebajar la atmósfera, para destruir la poesía y hacer de la escena un puerto de arrebatacapas.
Arte por encima de todo. Arte nobilísimo. Y vosotros, queridos actores, artistas por encima de todo. Artistas de pies a cabeza, puesto que por amor y vocación habéis subido al mundo fingido y doloroso de las tablas. Artistas por ocupación y preocupación. Desde el teatro más modesto al más encumbrado se debe escribir la palabra "Arte" en salas y camerinos, porque si no vamos a tener que poner la palabra "Comercio" o alguna otra que no me atrevo a decir. Y jerarquía, disciplina y sacrificio y amor.
Federico García Lorca
conferencias sobre teatro

sábado, 13 de febrero de 2010

A propósito de Arte-espectáculo y espectador activo

Ayer, mientras, ya sin los cascos, seguíamos a Laura del Mercat de Campanar a La Petxina y de ahí trashumábamos por las calles de esta ciudad, reflexionábamos sobre el espectador semiactivo (por el movimiento de las extremidades inferiores y algunos hasta superiores) en el que nos estaban convirtiendo, algunos opinarían espectáculo callejero (o familia de Almería) o espectador asertivo en pseudomovimiento, no sé, ya opinaréis, mientras, y siguiendo con nuestra reflexión espectadorespectáculo que dejamos en las líneas anteriores al Levante , habla un artista sobre el espectador y el espectáculo

Carmen M

Una gran cantidad de obras actuales no resisten a la crítica. Ciertas actitudes válidas se concretan en realizaciones cuya novedad no reside más que en la apariencia, en el material utilizado o en la forma de presentación. Sin analizarlas dema­siado se descubre, bajo la pretensión de esta originalidad, un arte equivalente al que se quería superar, cuando no se reducen a un simple gusto por lo insólito o el snobismo.

Sin entrar en consideraciones críticas se puede señalar toda una serie de nuevas relaciones obra-espectador, que van desde la simple contemplación hasta el "espectador-obra", pasando por el "espectador-estimulado", él "espectador-desplazamiento", el "espectador-activado", el "espectador-intérprete", etc.

Se modifican los papeles de la obra y del espectador. Hacer vivir la participación activa de una obra es quizás más impor­tante que la contemplación pasiva y puede desarrollar en el público sus condiciones creativas naturales. Pero la pretensión extrema de querer hacer participar al espectador puede llevar a ponerlo frente a una tela blanca colocada en un caballete y a incitarlo a usar una caja de pintura al óleo o a reinventar la máquina de escribir como obra, solicitando la participación activa del espectador para la creación de la poesía.

En el mismo orden, y con una preocupación de espectáculo, tomar al espectador-activo como objeto de contemplación (mientras participa en una obra es objeto de espectáculo) plantea la existencia simultánea de un espectador que vivé la realización con la conciencia de ser observado y de un especta­dor que lo contempla.
(…)

Incluso, en esta preocupación por la participación violenta de los espectadores, se podría llegar a la no-realización, no-contemplación, no-acción. Se podrá entonces imaginar, por ejemplo, a una decena de espectadores no-acción en el negro más completo, inmóviles, no diciendo nada. Si pudieran no pensar y quizás no respirar, se alcanzaría el grado más alto del nuevo arte. Pero permaneciendo en estas preocupaciones, se puede tratar de encontrar soluciones alejadas del absurdo. Porque este aspecto de improvisación apresurada alcanza a todo un estado de desesperación y de aburrimiento, cuando no se trata simplemente de incapacidad de claridad.
Julio Le Parc

REALIDAD VERSUS FICCIÓN

Aquí dejo un texto del siempre lúcido e incómodo Manuel Delgado. No todo iba a ser fantasía multicolor.

(aconsejo como divertimento para su lectura sustituir BIENAL DE VALENCIA por FESTIVAL VEO)


Artículo publicado en el diario Levante, el 10 de junio de 2003, con motivo de la Bienal de Valencia, presentada bajo el título genérico de "La ciudad ideal".

ARTE Y TIRANÍA

Manuel Delgado

Buena oportunidad la que nos presta la II Bienal de Valencia en curso para hacernos preguntas acerca de la distancia que se extiende entre el papel que juega el arte en una sociedad democrática y el que es obligado a desempeñar en una sociedad sometida por cualquier forma de tiranía. En una imaginaria sociedad democrática –puesto que la democracia es todavía hoy un sistema político de fantasía – el arte sería ante todo un ámbito público –y por tanto accesible a todos – en que todos aquellos a quienes la realidad no les bastara podrían dedicarse a jugar con ella, a distorsionarla, a prolongarla, a darle otras formas distintas. El arte sería entonces lo que irrumpe o interrumpe para desmentir cualquier certeza y nos demuestra que todo puede ser siempre de otro modo. Ese arte democrático es dominio sin dominio en el que la transformación formal insinúa constantemente la posibilidad y acaso la urgencia de la transformación social.

En las antípodas de esa concepción democrática del arte –capacidad al alcance de cualquiera de generar y hacer proliferar mundos –, los sistemas políticos despóticos consideran el arte como una pura ornamentación al servicio de su propio esplendor, artefacto destinado a generar la estupefacción de los súbditos, extasiados ante la grandeza de los edificios y los fastos, impresionados ante el fulgor de los espectáculos que se le brindan gratuitamente para su disfrute. Ese arte expresa en este caso un poder barroco, que ama sus propias puestas en escena, tan vacías como grandilocuentes, que se entrega a la teatrocracia como forma de gobierno y que convierte la Cultura en general en la nueva religión de Estado.

Por lo que hace a la ciudad, el arte sumiso que toda dictadura patrocina puede servir, además de para generar efectos autolaudatorios, para proveer de coartadas operaciones inmobiliarias e iniciativas urbanísticas discutibles, al mismo tiempo que disimula buen número de fracasos o abandonos estructurales. El arte puede, en estos casos, salir a la calle, pero no para reconocerse en ella, sino para imponerle su ejemplaridad a la pluralidad de las prácticas y las apropiaciones ordinarias que no deja nunca de registrar, para que no se escuche el murmullo que, como un bajo continuo, se extiende a ras de suelo y que no es otra cosa que lo urbano mismo. El arte público no es entonces arte de todos y para todos, sino respuesta a una necesidad institucional que es al mismo tiempo decorativa y simbólica. Como ornamento, atiende a la voluntad de los gestores de un espacio urbano de dignificarlo estéticamente y ponerlo a las órdenes de proyectos políticos o/y empresariales interesados en elevar el tono moral del territorio, atenuando los efectos de transformaciones traumáticas, camuflando operaciones especulativas o aliviando los malestares derivados de la falta de popularidad de buen número de innovaciones en materia urbanística.

La tiranía sabe que la instalación de una pieza de arte en un espacio público sirve para paliar las carencias de legitimidad simbólica que afectan tanto al poder político que administra ese espacio y lo mantiene, como a los planes urbanísticos que aspiran a convertir al usuario en consumidor y la tentación de la crítica en adhesión entusiasta. Nos encontramos de este modo ante lo que bien podríamos llamar artistización de las políticas urbanísticas, es decir, producción de efectos embellecedores del espacio público, simple maquillaje destinado a la exaltación de las autoridades y fuente de mantenimiento de todo tipo de tinglados artístico-culturales. ¿Objetivo final?: una ciudadanía narcotizada, que se pasa el tiempo riéndose sin saber de qué y que proyecta la imagen de una ciudad permanentemente eufórica.

Frente a esa utilización por parte de las tiranías del arte en la calle como autoexaltación de su propia grandeza, al tiempo que como recurso para el enmascaramiento y la legitimación de abusos, el arte democrático entiende el espacio público como proscenio para la acción social también en el plano creativo. La práctica artística no busca entonces embellecer, sino turbar. No persigue anonadar, sino hacer pensar. El arte público no es aquel que está en la calle, sino el que sucede en la calle. Ahí afuera, a la intemperie, la pieza o el acto artísticos se exponen, en el doble sentido de que se exhiben y se ponen en peligro, puesto que se someten a una vida urbana en que todo es mirada y actividad. Ese arte se sabe y se quiere vulnerable y vulnerado, porque es parte de la vida que lo rodea.

Una vez expuesta la teoría, cabe invitar a cada cual a que se plantee a cuál de esos dos modelos –el democrático y el tiránico – responde la orientación que ha asumido la actual Bienal de Valencia. ¿Es lo que estamos viendo un ejemplo de simbiosis entre creación formal y vida urbana real o –como están denunciando els Ciutadans per una cultura democrática i participativa – un magno acontecimiento que busca promocionar ante turistas, inversores y habitantes la imagen de una ciudad banal, desconflictivizada y sumisa? Si su asunto es, como se presenta, el de la ciudad ideal, la pregunta es, entonces, ¿la ciudad ideal de quién y para quién? Y es que hay tiranías tan benévolas que nos dan la posibilidad de cambiar de tiranos cada cuatro años.

viernes, 12 de febrero de 2010

Cultura abre otro frente con el teatro al eliminar los convenios con salas

ALFONS GARCIA VALENCIA Primero fue el Circuit Teatral Valencià. Ahora los cambios tocan a las salas privadas asociadas, aquellas que en los últimos años han gozado de un convenio particular con Teatres de la Generalitat para el sostenimiento de sus actividades y programas a compañías valencianas. La línea presupuestaria que financiaba esta relación especial -y que sumaba más de medio millón de euros- desaparece y las salas tendrán que concurrir a la orden general de ayudas a las artes escénicas. Esta, además, no crece, según la información que Teatres ha dado a los afectados y a distintos sectores de la escena valenciana, sino que se queda prácticamente igual que en 2009 (1,4 millones de euros, más 200.000 para danza).
Así, el cambio de modelo va unido a un más que previsible recorte de fondos, temen los espacios afectados, que advierten de la posibilidad de cierres de teatros si no hay el suficiente apoyo público que los haga viables.
Micalet, l'Horta, Pluja y Manantiales son los principales damnificados de la medida, ya que cuentan con centros de producción ligados a las salas.
No obstante, el cambio afecta a todas las compañías, puesto que la convocatoria general a la que optaban para obtener ayudas tendrán que compartirla ahora con las salas, de modo que habrá menos dinero para repartir.
Teatres argumenta, por su parte, que en los últimos tiempos han surgido espacios nuevos (como Flumen o Zircó) y las líneas nominativas de 2001 estaban "desfasadas" ante la nueva realidad económica, por lo que era necesario un replanteamiento "más equitativo". "Todas las salas deben tener la opción de recibir la ayuda", afirman fuentes del departamento, que niegan que se eliminen convenios, sólo la línea presupuestaria.
Sin embargo, la reforma, comunicada en diciembre, ha causado "incertidumbre" y "un grave malestar", porque "pocos sabemos hacia dónde vamos", apunta Alfred Picó, programador de la sala l'Horta. Joan Peris, director de la compañía Micalet, agrega que más que el dinero, lo peor es "la manera de hacer cultura de este gobierno. Se la están cargando".

Lázaro: "No estamos para sostener salas"

La situación de las salas asociadas tiene analogías con la del Circuit . En ambos casos, Cultura sostiene su decisión en la voluntad de abrir un coto cerrado hasta ahora y "democratizar" el reparto de unos fondos. En el trasfondo quedan la reducción de presupuesto de Teatres y la desvinculación de unos proyectos al pasarlos a la categoría presupuestaria de subvención.
Según la directora de Teatres, Inmaculada Gil Lázaro, el cambio es necesario ante la aparición de nuevas salas, que reclaman colaboración, y también por una cuestión de concepto esencial en tiempos de crisis. "Teatres puede ayudar en los comienzos de las salas privadas, pero no está para sostenerlas", ha comentado a este diario.
El panorama, no obstante, ante tantos cambios en el ambiente teatral es el de confusión y cierta división. El tiempo dirá si los cambios son tan trascendentales como unos dicen, pero por ahora 2010 es un año inquietante. levante-emv valencia

jueves, 11 de febrero de 2010

De lo creativo a lo recreativo.

Interesante artículo de Vicente Verdú en El País de hoy.


Pedro M.




VICENTE VERDÚ

De lo creativo a lo recreativo


John Baldessari, uno de los fundadores del arte conceptual, presente en una muestra antológica del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, dispensa oralmente una dosis de lucidez repartida ya como un lenitivo cultural por todo el mundo. Esta píldora de la felicidad consiste en asumir -como él declara- que todo y nada es arte. O que "arte es aquello que dicen que es arte los artistas" (E. H. Gombrich). Las obras se ven, se huelen, se admiran, se escudriñan o se pasa de largo. No pasa nada.

Harto de la disquisición entre arte y no arte, "intenté", dice Baldessari, "ser un no-artista". Intentó, a lo largo de sus 81 años, desprenderse de esa cruz. Los artistas, adorados tras la Ilustración, fueron tenidos por "creadores", a imagen y semejanza de Dios. O de Cristo, su Hijo:

se crucificaban, enfermaban, morían jóvenes y dignificaban a la Humanidad mediante la inmolación de sus vidas, desgarradas pero salvíficas.

Casi todos los santos que abatió la razón ilustrada fueron reemplazados por figuras encarnadas en artistas: santos laicos, sujetos de diferentes sevicias y de asombrosa inspiración. Mientras la mayoría de los mortales iban a trabajar, ellos se dirigían a crear; mientras los más notables de los demás trabajadores tenían sólo ideas, ellos recibían inspiración.

En consecuencia, el artista ha sido apreciado como un ser elegido y excepcional cuyas prerrogativas divinas llegaron junto a pesados deberes, unos referidos a la exigencia interior de la obra y otros, respecto a la crítica.

Harto, John Baldessari decidió salir de esta tabarra y hacerse un "no-artista". Muchos otros han aspirado a esta sana condición y, con el declive de la modernidad, pintores, escultores, instaladores, performadores, han pedido desesperadamente ser tratados como un trabajador más.

Es el caso que contaba Susan Sontag de Wim Wenders cuando ella -tan europea- le preguntó, en Los Ángeles, qué hacía un gran director alemán en un lugar inculto. A lo que Wenders respondió: "¡No sabe usted qué alivio es encontrarse en un sitio sin cultura!".

Los europeos, y tanto más cuanto más "ilustrados", han soportado esta feligresía cultural dentro de la cual era preciso distinguir entre el arte y el no arte, entre la culta y la inculta novela, entre el verdadero artista y el impostor. Ser culto conllevaba prestar culto al autor pero, además, una vigilancia sobre los camuflados, una fina preparación gastronómica (tener buen gusto) y, finalmente, manejar un lenguaje lo bastante oscuro (¿oculto?) para referirse al creador. Una tarea, en fin, de esclavos.

Actualmente, sólo en Madrid, se encuentra Miquel Barceló en CaixaForum, impresionistas y no impresionistas en Mapfre, el vorticista Wyndham Lewis en la March, exposiciones en Bellas Artes, en La Casa Encendida, en las cien galerías del Consorcio, etcétera, etcétera. Pero, además, la próxima semana abre Arco y tres ferias paralelas más en ascensión.

No podrá decirse que haya decaído el espectáculo ni que el arte se encuentre exangüe. Hay obras para ver y vender. Obras para disfrutar, reír, morder o pasar el rato. Pero ahí empieza y termina prácticamente todo.

Hace tiempo que la radical quema de los templos artísticos, como hizo Baldessari con su obra anterior a 1970, los ha convertido en montones de ceniza. Lo que llegó posteriormente, lo que se encuentra en la actualidad, bueno o malo, enrevesado o banal, no es sino entretenimiento audiovisual. Los artistas han dejado de ser los sagrados gurús y su tarea, liberada de la tremenda, trascendente y teologal misión de lo creativo, ha logrado, por fin, el soleado universo de lo recreativo.

martes, 9 de febrero de 2010

Burkholderia mallei

Burkholderia mallei es un bacilo de la familia Burkholderiaceae. Es el agente causal de una infección típica de equinos, aunque también afecta a ovejas...

sábado, 6 de febrero de 2010

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA (un artículo para la reflexión)

EL TEATRO Y LA REPUGNANCIA

Por Daniel Fermani

En un instante es posible saber lo que sucede en las antípodas del mundo o puede enviarse un mensaje que llegará pocos segundos después a cualquier lugar del planeta, o también se puede localizar a una persona en donde se encuentre, a través del teléfono celular. El sistema consumista nos ha convencido de que vivimos en la “era de las comunicaciones”. Este axioma implicaría tácita y no tan tácitamente que nunca estaremos solos, que el silencio puede ser nada más que una elección, que podemos estar junto a todos nuestros seres queridos solamente apretando algunos botones. Y en un cierto sentido todo esto es cierto (de la superación de la soledad a la felicidad debería haber sólo un paso, por lo tanto sáquense las debidas conclusiones acerca del poder de las herramientas con que el mercado maneja nuestras convicciones). Lo que no revela el sistema deshumanizante en el cual vivimos, es que toda esta tecnología no nos está comunicando verdaderamente, sino que nos está aislando ulteriormente, convirtiendo al hombre en un ser que habla sólo por máquinas y a través de máquinas. El ser humano ya no necesita la presencia física de otro ser humano para intercambiar información, para trabajar o para expresar lo que siente. El abrazo, el beso, la cercanía física, el roce entre dos cuerpos que se comunican también a través de su proximidad, van perdiendo vigencia en nuestra sociedad a tal punto que llegará un día en que todos éstos serán gestos que provoquen desconfianza, y de allí pasarán a ser de mal gusto e incluso inmorales. Este sistema cómodo e impersonal impuesto por la tecnología producirá paulatinamente una repugnancia hacia la verdadera comunicación, la comunicación que requiere la presencia en cuerpo y alma de dos o más personas, en un tiempo y espacio determinados. Porque esta tecnología de la comunicación ha roto también el paradigma del tiempo, y un mensaje escrito la semana pasada puede llegar hoy a nuestro teléfono celular, con su contenido actualizado por este error del sistema, y por lo tanto influirá en el instante de su arribo sobre nuestra existencia con un retraso que se actualiza casi mecánicamente. Y viceversa, la velocidad de llegada de nuestros mensajes tecnológicos (pretendidamente humanos) hace que cuerpo, mente y espíritu se debatan en la vorágine de una fuerza centrípeta en la que ya no pueden mantenerse unidos sino a costa de esfuerzos enormes y de “carreras contra el tiempo”. Porque el tiempo tradicional también ha sido manipulado por la tecnología de la “era de las comunicaciones”, a tal punto que no sólo podemos resolver numerosos compromisos sociales y laborales a través de Internet y del celular, sino también que el trabajo que antes precisaba horas para ser llevado a cabo, ahora requerirá minutos, por lo tanto la explotación del hombre se ve inmensamente favorecida por esta mencionada tecnología.
¿Pero qué tiene que ver esto con el teatro?
El hombre actual se aleja cada vez más de cualquier tipo de comunicación que implique la presencia física -al menos de la verdadera comunicación, la que significa intercambio de ideas, discusión y debate generadores de reflexión y pensamiento- y por lo tanto un hecho artístico que lo obligue a una interacción con y entre personas de carne y hueso, le causará cada vez mayor repugnancia. El teatro vuelve la presencia física de espectador y actor un hecho obligatorio, y se trata de una presencia no sólo física, sino de una actitud, predisposición y desnudez espirituales que llevan a ambos protagonistas del hecho teatral antes que nada a un compromiso humano. El espectador teatral baja las defensas, deja de lado su desconfianza y sus prejuicios, para dejarse atravesar por alguien que está cabalgando sobre defensas, desconfianza y prejuicios: el actor. Y ese compromiso mutuo cuesta cada vez más. Es un esfuerzo que de tan humano empieza a resultar inhumano. Y de tan inhumano se vuelve ciclópeo para el hombre común, que habla con Japón dos veces por día, escribe a amigos de todo el país en su celular, y chatea con los europeos cada vez que puede o “tiene tiempo”. Pero ninguna de estas actividades “comunicativas” le requiere lo que una obra de teatro: poner su cuerpo en una butaca, abrir su mente y disponer su espíritu para que sean penetrados por el arte vivo, ése que encarnan otras personas de carne y hueso arriba del escenario.
Se vive un mundo en el cual la cercanía física de las personas no implica comunicación, ni mucho menos intercambio, solidaridad o tolerancia, y a su vez la comunicación prescinde cada vez más de la cercanía física. Paradójicamente pareciera que el ser humano –humano quiere decir miembro partícipe de una comunidad que construye y sostiene su andamiaje cultural- se dirige hacia el aislamiento absoluto. Un aislamiento lleno de palabras, palabras que salen de pantallas y auriculares.
¿Podría esta explicación dar razón de la ausencia de espectadores en el teatro, de la reticencia a presenciar obras de contenido, de la demolición imparable de los lugares de teatro en nuestras comunidades, de la amnesia gubernamental acerca de todo lo referido al arte teatral?(1) Tal vez no, tal vez se trata de una especulación demasiado forzada, y los problemas del teatro actual se deban sencillamente a su natural decadencia como forma artística, y a la forzosa difusión y profundización de la ignorancia en la población, que ya no entiende ni se interesa por este tipo de manifestación del arte.
Sin embargo, la fuerza que mueve al teatro es intrínseca y sigue generando material, como un agujero blanco que tuviese la forma de un escenario y dejara escapar actores, dramaturgos, escenógrafos, vestuaristas, iluminadores, tramoyistas. La cuestión es qué hacer con esta energía y con esta pequeña comunidad de exiliados en un mundo que hace arcadas frente al arte vivo.
Si como afirmaba Hamlet, el teatro es capaz de hacer confesar al criminal su crimen, deberíamos obligar a toda la población a asistir a las representaciones teatrales para individualizar en ellas a los asesinos ocultos del teatro. No es casual que políticos, demagogos, cómplices y sicarios del sistema nunca asistan al teatro.
Pero el anatema sigue incólume, y podemos observar fenómenos sorprendentes, como lo son el brote y la difusión exitosa de manifestaciones populares como el teatro comunitario, sin que este hecho influya, renueve ni impulse en absoluto la actividad teatral tradicional y su incidencia en la sociedad. Probablemente la cuestión es resultado de una intrincada red de factores que tienen en lo político y lo económico su base, en lo tecnológico su estructura, en lo cultural su motivación y en lo social su justificación. Probablemente las razones de la existencia del teatro, ésas que siguen contaminando a muchas personas para llevarlas a trabajar toda su vida en este arte, hayan quedado aplastadas para el resto de la sociedad a causa de algunos de estos factores o de una combinación letal de todos ellos. La negación de la importancia del teatro para el mantenimiento de la salud social, y la banalización permanente de este arte, considerado suntuario y de entretenimiento desde muchos ámbitos, no sólo el oficial, se explica a la luz de una sociedad incapaz de decodificar, de construir significados nuevos, de imaginar, de crear y por lo tanto de rebelarse.
Ya no podemos decir que nuestra sociedad “sufre” tal o cual mal, sino que debemos acostumbrarnos a decir que nuestra sociedad “es” de este modo, lo cual ya sería un síntoma de madurez que nos ayudaría a aceptar más sinceramente nuestro tiempo y nuestras características. Sobre esta base deberemos entonces preguntarnos si es lícito insistir en preservar valores y gustos procedentes de un pasado ya remoto, o si será necesario idear nuevos caminos, nuevos modos de expresión que condigan armoniosamente con la sociedad en que vivimos. Pero si acabamos de decir que somos incapaces de crear, construir e imaginar, entonces nos encontramos en un callejón sin salida que nos conducirá única e inevitablemente hacia los modelos, vendidos por buenos, de la televisión y los medios de comunicación masiva. La sorprendente tozudez de los artistas teatrales en su empeño por seguir remando contra una corriente que ya no es corriente sino la marea que mueve los océanos, puede ser solamente un síntoma de enfermedad, un gen recesivo que trae a la superficie una tara ya masivamente superada en el resto de la humanidad.
El teatro posiblemente sea entonces uno de estos genes recesivos, el más recesivo y el más urticante de todos, porque sigue discutiendo en carne y hueso con personas de carne y hueso, mientras que el resto de las disciplinas artísticas tienen la ventaja de soportar insultos y alabanzas en silencio, sin la disgustosa presencia del artista. Habría que intentar la supresión total de este tipo de manifestaciones teatrales y de quienes las realizan, para comprobar sus efectos en la sociedad a corto, mediano y largo plazo. Un mundo sin teatro ni teatristas no es un imposible, ya fue intentado por algunos regímenes totalitarios, y como es evidente la humanidad ha seguido en pie. Si la salud de nuestra sociedad se mide por el grado de productividad, pero sobre todo de consumismo, como demuestran diariamente los índices oficiales de gastos y consumo de la población, sería muy recomendable dar este golpe y perpetrar de una vez esta eliminación, que sin duda va a generar un saludable aumento del citado consumismo. Obligar a un normal ciudadano a presenciar la actuación de otra persona viva, de carne y hueso, en un momento y un lugar –un aquí y un ahora- puede ser una tortura inútil como aquélla a la que fue sometido el protagonista de “La naranja mecánica”, y sus resultados, como en el caso de esa célebre novela, distarán mucho de ser los esperados. Mantener los ojos abiertos con pinzas para obligar a ver lo que debiera o no debiera ser, no funciona. El orden del mundo también es una construcción derivada de un pensamiento, y es hora de reconocer que nuestro mundo actual no es la construcción que tenían los griegos del S. V a C., ni los ingleses que propulsaban el teatro en la época Isabelina.
Por lo tanto, ¿existe un modo de adecuar el teatro a este mundo y a esta época, o seguiremos insistiendo en un arte que parece perimido en esta estructura socio-político-económico-cultural? Naturalmente, la respuesta de todos los que aman el teatro (que no deben llenar una provincia argentina los verdaderamente enamorados, en este amplio y vasto mundo) sería que se debe seguir adelante contra viento y marea. Es una respuesta más estúpida que suicida, si bien algunos podrían aducir que adecuar el teatro a estos tiempos es tan sacrílego como dejar de hacer teatro.
Quién sabe si la experimentación teatral pueda ser un camino, si pueda brindar una opción de supervivencia legítima al arte teatral ante la “era de las comunicaciones”, o si muy por el contrario, esta experimentación y sus muy discutidos resultados no hacen más que complejizar el problema, colocando el arte teatral en un plano de incomprensibilidad que lo enrarece y lo vuelve aún más repugnante al hombre tecno-consumista.

(1) Hablamos naturalmente de teatro underground, independiente, el teatro de búsqueda y de contenido, incluso en el género llamado cómico. No hay tanto olvido oficial en el momento de ofrecer salas y cachet a las compañías comerciales o a las “estrellas” salidas de los escenarios televisivos.

(Tomado de LA VORÁGINE Revista Independiente de TEATRO. Nº 23. Noviembre 2009)

Jesús Ge

lunes, 1 de febrero de 2010

Panorama para la fuga, también para la lucha



Me alegro por los tres: Juan Vicente Martínez Luciano, Salva Bolta y Alfaro. Estos logros dejan más en evidencia el pésimo panorama Teatral Valenciano.

os dejo los artículos que han salido hoy en Levante EMV.

Valencia conquista los escenarios madrileños


http://www.levante-emv.com/cultura/2010/02/01/fuga-cerebros-br/674842.html



marc